Norway coach Stale Solbakken said the showdown between Erling Haaland and Harry Kane will go a long way to deciding his side's World Cup quarter-final against England on Saturday.Haaland has struck seven times in his first four appearances at a major tournament to fire Norway to the last eight for the first time on their return to the World Cup after a 28-year absence. Kane is just one goal behind the Manchester City striker for the tournament after taking his World Cup tally to 14 as he has helped England reach a third consecutive quarter-final. ‘I think it's Norway versus England but I don't think it is a secret that Kane is the match winner number one for England and Haaland is the match winner number one for us,’ Solbakken said at his pre-match press conference in Miami. Solbakken's counterpart Thomas Tuchel was recruited by the English Football Association to get a talented generation of players over the line after a series of narrow misses at major tournaments under his predecessor Gareth Southgate. By contrast, Norway are in their first major tournament of any kind for 26 years and have exceeded expectations, most notably in stunning 2-1 win against Brazil thanks to Haaland's late double in the last 16. ‘Every game has been the most important (in history) for Norwegian football, especially in the knockout rounds, so this is the third time it is the most important game,’ added Solbakken. ‘I feel the players are in a relaxed but competitive mood. ‘I think England has more pressure than us, but we also put pressure on our performance. When the game has started I don't think the players think so much about the pressure when it's eleven versus eleven.’ Norway's progress has caught the imagination at home and across the Atlantic in the United States. Their fans' Viking row celebration has become one of the iconic images of the tournament, while Haaland's status as a global star has soared thanks to his goalscoring prowess on the pitch and jovial personality off it. ‘I think the whole of Norway is looking forward to tomorrow. We've had some great nights in this World Cup before and it brings the country together,’ said Solbakken. ‘Maybe this will never come back to Norway because I think we will qualify more. Every time (now) we have a possibility to go through to a European Championship or a World Cup. But now it's 26 years since we had it last time.’ The match in south Florida could be impacted by brutal heat and humidity that is forecast around the 5:00 pm local time (2100 GMT) kick-off.Miami is currently under a heat advisory from the US National Weather Service with ‘feels like’ temperatures rising beyond 40 degrees Celsius (104 degrees Fahrenheit). ‘We have trained very lightly. We haven't done much hard work. We are with the tactical sessions, but in a lower tempo and not trained for long periods. So it's all about being fresh tomorrow,’ said Solbakken, whose side have trained in Miami for the past three days.The two countries, he said, would have to get ‘used to the same conditions.’  Source link

For four days, from July 6 to 9, 2026, Couture Week Fall/Winter 2026–2027 returned to the French capital with fashion’s most exclusive language: hand-built garments, guarded atelier savoir-faire, private clients, international front rows and a form of luxury that continues to resist the speed of the global market.As often happens, much of the international coverage focused on Europe’s historic houses. Chanel, Dior, Schiaparelli, Balenciaga and Armani Privé dominated headlines, images and online conversation. Yet to look only in that direction is to miss a crucial part of the story.Season after season, Paris Haute Couture is speaking increasingly Arabic. This is no longer a marginal presence within a European narrative. Arab designers are now among the most recognisable interpreters of contemporary couture. They bring to Paris a vocabulary of embroidery, construction, theatricality, desire and cultural memory. They also speak to a clientele that understands haute couture intimately: women who wear it, commission it, preserve it and sustain its market away from the noise of mass visibility.This season, names such as Elie Saab, Zuhair Murad, Georges Hobeika, Georges Chakra, Tony Ward, Ziad Nakad, Saiid Kobeisy, Rami Al Ali and Dana AlMulla confirmed a reality that has become increasingly difficult to ignore.confirmed a reality that has become increasingly difficult to ignore: couture can no longer be told only through its French institutions. Paris remains the stage, but a decisive part of its creative energy comes from the Arab world.   The case of Dana AlMulla is particularly significant for audiences in the Gulf. A Qatari designer, AlMulla represents a new generation of creatives able to engage with the international language of couture while remaining rooted in the region’s visual memory. With “Echoes of Timeless Art”, her collection translated Islamic architectural forms into a modern couture context: sculptural silhouettes, defined lines and curved volumes evoked domes and ceilings, while floral and ornamental elements softened the structure and introduced movement. The palette — beige, blush, deep blue and luminous yellow — worked with light and depth, transforming historical inheritance into contemporary form. The strength of AlMulla’s proposal lies in this quiet balance between structure and softness, precision and fluidity. For Doha, her presence in Paris is not only a personal achievement; it is a sign that Qatari couture can enter the global conversation without imitating external codes, instead translating its own heritage into a new visual language. If Dana AlMulla opens a Qatari perspective on couture, Beirut remains one of haute couture’s invisible capitals. For decades, Lebanon has produced couturiers able to transform instability, beauty and technical mastery into a recognisable language on the Paris runway. Elie Saab, Zuhair Murad, Georges Hobeika, Georges Chakra, Tony Ward, Ziad Nakad and Saiid Kobeisy belong to this creative geography: one defined not only by place, but by sensibility.  black 1 pink 1  Elie Saab remains one of the most powerful names in this constellation. For Couture Week Fall/Winter 2026–2027, the Lebanese couturier presented “The Ball of Untamed Dreams”, a collection staged as a masked ball suspended between reality and fantasy. Sculptural masks, ornate headpieces, pearl-toned organza, wine-coloured velvet, embroidered corsetry and black column gowns with winged lines turned the runway into a theatre of metamorphosis.Saab’s fantasy is not fragile. It is a form of controlled spectacle: garments designed to appear, to enter a room, to leave a memory. Between pastel goddess gowns, sharply cut tuxedos, dramatic trains and a bridal finale in champagne, crystal and pale gold, Saab reaffirmed his ability to make excess elegant and dreams wearable. His couture continues to speak to a global audience because it combines two rare qualities: theatrical impact and discipline. The gown is never merely decorative; it is an emotional construction, conceived to transform the wearer into a presence.   Zuhair Murad took a darker and more psychological path. With “Love and Dominion”, the Lebanese couturier imagined a woman who has refused to surrender: powerful, intact, protective and magnificent. She is a figure touched by fragility but never defeated by it, capable of loving without losing herself and of preserving part of her identity inside a secret garden.The collection moved through an imagined landscape of ice castles and legendary forests, where a billowing cape became a restrained storm and shimmering embroidery revealed an inner light. Murad worked through duality: temptation and control, devotion and independence, vulnerability and inaccessibility. Embroidery became the site of that tension, with night birds applied or sculpted in relief on black tulle, three-dimensional crystal roses, wrought-iron trompe-l’œil, feathers, velvet, crêpe, radzimir, duchesse satin and silk chiffon. The palette deepened the mystery of winter: profound black, fir green, warm wine tones and embroidered trails flowing across pale pink tulle. Each silhouette carried dramatic intensity without tipping into theatrical excess.   Georges Hobeika followed a more contemplative route. With “The Visitor”, Georges and Jad Hobeika, father and son at the creative helm of the maison, drew inspiration from a poem by James McCrae that urges us never to grow accustomed to the beauty of the world. Created between the house’s ateliers in Beirut and Paris, the collection translated that idea into a wardrobe of light: fluid columns, sculpted and draped bustiers, intricately worked jackets, lace interlaced with satin, silk and organza. Blue dominated the palette in multiple shades, softened by beige, pink and greens ranging from mint to pine. Small elements of nature — a beetle, a snail, an orchid — became jewels, details and fragments of the living world worn close to the skin. In a week often dominated by spectacle, Georges and Jad Hobeika reminded audiences that couture can still be an exercise in attention: to the body, to material, and to what is too easily overlooked.   Georges Chakra brought to Paris a collection built on desire, intrigue and seduction, but above all on construction. Corsetry became the starting point of every look: boned bodices, visible internal lines, beaded latticework and velvet cording transformed the hidden architecture of the garment into an aesthetic language.Black anchored the collection, worked in crêpe, velvet, Chantilly lace and gazar across column gowns, mermaid lines and 7/8 dresses. But this was not an austere black. It was alive and architectural, interrupted by embroidered red, cobalt layered over black tulle, fuchsia duchesse satin, panniers, balloon skirts and draping in liquid metallic gazar. Embroideries in raffia thread, Charleston fringe, fiberglass paillettes and feather flowers gave the collection a technical sensuality. Chakra turned shadow into structure, proving that darkness can be one of glamour’s most sophisticated forms.    Tony Ward transformed the desert into couture architecture. With “Whispers of the Dunes”, presented at the Réfectoire des Cordeliers in Paris, the Lebanese designer built a collection around serenity and movement, stability and transformation. The scenography echoed the same language: an organic landscape of dunes, with undulating seating and models moving through the space with a fluid rhythm, almost like wind crossing sand.The collection opened with a suspended silence: soft draping, elongated lines and neutral, sun-faded silhouettes, like untouched horizons at dawn. It then became more protective and layered, with sculptural hoods, veils, wrapped constructions, crochet details and nomadic-inspired geometries. At its centre was an important craft development: a hand-braiding technique created specifically for the season, using individually dyed silk threads transformed into sculptural braids through manual workmanship and experimental crochet. Ward celebrated not only the desert as an emotional landscape, but also Lebanon’s living craft traditions, preserved and passed down through generations. For a Gulf audience, the resonance is immediate: the desert is not decorative scenery, but memory, movement and identity.    Ziad Nakad chose flight. With “L’Envol”, the Lebanese designer presented a collection inspired by the bird in motion, a symbol of freedom, departure and return to nature. Shot in the mountains of Lebanon, the collection carried a message of roots and resilience: the mountain as a place of strength, stability and silence, far from the noise of the world.Its 34 pieces evoked movement through light layers, bird embroideries, mermaid silhouettes, velvet, crystals, touches of leather and Swarovski stones designed specifically for the season. The palette — navy, brown, burgundy and green — recalled earth, depth and landscape. Even the bridal finale chose a more measured grace: lightness, simplicity and discreet refinement, removed from excess but not from wonder.   Saiid Kobeisy brought a more intimate and narrative collection to Couture Week Fall/Winter 2026–2027. With “Passage Privé”, the Lebanese designer built a journey through the elegance of the early twentieth century, an era marked by craftsmanship, cultural exchange and quiet sophistication. The collection moved like a path of transformation: each silhouette became a stage, each detail a fragment of memory.The palette — ecru, off-white, soft pink, pale green, bronze and soft blue — softened the construction, while velvet, the signature fabric of the season, was placed in dialogue with double satin, crêpe georgette, metallic French lace, fur and feathers. Passementerie, reinterpreted trench coats, kimono sleeves, Art Deco motifs and pixelated embroideries created a bridge between heritage and modernity. Kobeisy approached couture as movement, discovery and discreet elegance: not only a garment to be observed, but a story that continues beyond the final look.   Alongside this Arab constellation, international houses such as Yanina Couture contributed to the broader landscape of the week, confirming that Haute Couture Week is now a global platform where aesthetics, markets and cultural sensibilities intersect. With “Provocation”, Yulia Yanina reread the history of costume as an art of contemporary femininity, transforming references to the eighteenth and nineteenth centuries, corsetry, historical lingerie and French literature into modern, sensual and sophisticated silhouettes. Masculine frock coats, echoes of Marie Antoinette, delicate wings, three-dimensional floral motifs and sculptural embroidery built a dialogue between past and present.   Rami Al Ali adds a deeply pan-Arab dimension to this map. With “Threads of Light: A New Dawn”, the Syrian couturier reflects on the enduring ties that have shaped the cultural landscape of the Arab world for centuries: craftsmanship, architecture, trade, migration, poetry, music and collective memory. Rooted in a shared heritage that stretches across the Gulf, Syria and beyond, the collection is conceived as a tribute to resilience and continuity. It draws inspiration from the first moments of sunrise, when the desert horizon glows with warmth and the waters of the Gulf catch the earliest light of day.The silhouettes balance architectural precision with effortless fluidity: sculpted forms are softened by movement, while intricate couture embroidery traces delicate pathways across the body like fragments of stories passed from one generation to the next. The palette moves from soft sands and warm ivory tones to golden amber, sunlit champagne and subtle metallic reflections, evoking the changing colours of the horizon. In Al Ali’s vision, light becomes both motif and material — a language of hope, belonging and renewal. Yet from a Gulf perspective, the more significant point remains the growing centrality of Arab designers within this international system.Their importance is not only creative. It is also economic and cultural.Across Doha, Riyadh, Kuwait City, Dubai and Abu Dhabi, couture is not simply an image from a runway. It is part of a social calendar shaped by weddings, galas, private celebrations, family gatherings, diplomatic occasions and moments in which the garment becomes a cultural code. In many cases, couture is not purchased to appear before cameras, but to live in more private spaces, where luxury is recognised by those who truly understand its language.This is one reason Arab designers understand haute couture so well. They do not treat it merely as visual performance, but as a social language. They understand that a gown can be spectacular without being loud, sensual without being explicit, modern without breaking its relationship with tradition. Above all, they understand that in the Arab world, eveningwear and couture still carry a ritual function: they accompany transitions, celebrations, roles and belonging.Paris Couture Week remains a French institution. Its rules, calendars and aura belong to the history of European fashion. But its contemporary vitality increasingly depends on a global network of talents, ateliers, clients and imaginaries. Within that network, the Arab world is no longer only a spectator.It is a producer of beauty. A commissioner. A market. A language. A memory. A future.While European houses continue to occupy the symbolic centre of the week, Arab designers are reshaping a substantial part of its imagination. They do so with garments that speak of light, desert, embroidery, night, femininity, power and belonging. They do so from Beirut, Doha and Paris, and from a Middle East that is no longer only a destination for luxury, but one of its most influential creative sources.At the end of Couture Week Fall/Winter 2026–2027, one thing is clear: to understand haute couture today, it is no longer enough to look only at the historic salons of Paris. One must also look to the Arab world — to its ateliers, its women, its designers and its ability to transform luxury into cultural identity. Paris remains the stage. But haute couture, increasingly, speaks Arabic. Samantha De Reviziis  VIP Guests and Front Row Moments by Vincenzo IngrassiaTo complete the report, the first gallery brings together a selection of VIP guests and front-row moments captured during Couture Week Fall/Winter 2026–2027 by Italian luxury destination wedding and fashion photographer Vincenzo Ingrassia. His images document not only the visibility of the week, but also the social and cultural ecosystem surrounding the shows: clients, tastemakers, editors, regional figures and international guests who continue to shape couture’s global relevance.       Top Looks from the Couture Week Fall/Winter 2026–2027 RunwaysThe second gallery presents a curated selection of top looks from the collections, supplied by the maisons. Together, they offer a visual map of the season’s strongest codes: architectural corsetry, hand embroidery, sculptural draping, desert-inflected movement, floral appliqué, Art Deco references, luminous palettes and the unmistakable presence of Arab couture on the Paris runway. …